Саале Кареда. Концерт современной камерной музыки

Любовь Терская (1974) родилась в Москве. Закончила Музыкальное училище имени Гнесиных по классу теории музыки, а затем Нижегородскую консерваторию в классе композиции Б. С. Гецелева. Посещала композиторские семинары под руководством С. Беринского, В. Лобанова, В. Екимовского. Занималась нотно-издательской деятельностью, а также работала на радио Голос России.

С 2003 года член Союза композиторов России и Союза московских композиторов.
Л. Терская принимала участие в различных фестивалях современной музыки, таких как «Московская Осень» разных лет, «Творческая мастерская», «Открытая сцена», «Другое Пространство» в Московской филармонии. Также участвовала в проектах «Звуковая дорожка» в Московской филармонии, «Свободный понедельник» в театре АпАрте, Playground в галерее Граунд Ходынка, Moscow music week 2015 в галерее Марс, в фестивале «Архстояние 2015» в Никола-Ленивце. Среди сочинений: Струнный квартет в пяти фрагментах, «Элегия» для симфонического оркестра, «Танец-колыбельная» для скрипки соло, Квартет piccolo для 4х саксофонов, «Адель» (по картине Густава Климта) для флейты, виолончели и гитары, «Light music» для 4х флейт, «2в1» для флейты, вибрафона и виолончели, «XXS» для камерного ансамбля, «Роман(с)» на стихи Д. Хармса для голоса, флейты, виолончели, двух актёров и фонограммы, «Слайд шоу» для камерного ансамбля, «Вместо слов» для струнного оркестра и др.
Помимо академической музыки, композитор работает в жанре кино и театра.

Хейно Эллер (1887–1970) – один из основоположников современной эстонской музыки. В его творчестве зародился национальный музыкальный язык, объединяющий традиции классицизма и романтизма, модернистские средства музыкальной выразительности и интонации народной музыки. «Родной напев» («Kodumaine viis») и симфоническая поэма «Рассвет» («Koit») часто звучат как в Эстонии, так и за рубежом. Его скрипичный концерт, струнные квартеты, скрипичные пьесы «Сосны» («Männid») и «Просторы» («Avarused»), а также фортепианные пьесы «Бабочки» («Liblikad») и «Колокола» («Kellad») занимают почетное место в учебном и концертном репертуаре.

В творчестве Эллера преобладает инструментальная музыка – главенствующее место  в его наследии занимают около 40 оркестровых и 200 фортепианных произведений. Наиболее ярким примером его оркестрового письма являются малые формы – симфонические картины и поэмы, – отображающие картины природы и экспрессионистские настроения и ощущения. Изначально обучавшийся игре на скрипке Эллер написал также более 30 произведений для скрипки. Музыкальный язык Эллера отмечен интимным камерным характером и полифоническим складом. Его музыка зачастую пронизана абстрактной программой, вдохновение для которой композитор черпал в картинах природы и связанных с ними эмоциях.

«Сосны» (эст «Männid») Эллера (1930) – это миниатюра для скрипки, которую характеризует спонтанная форма выражения и поэтичность образов суровой красоты северной природы. В основе пьесы лежат два фигуральных образа, для преобладающего эпичного музыкального образа характерно использование квартовой гармонии.

В 1920–1940-х годах Эллер работал в Тартуской высшей музыкальной школе преподавателем теории музыки и композиции и считается основоположником условной Тартуской школы, игравшей важную роль в эстонской музыкальной культуре в первой половине XX века и позже. Начиная с 1940 года и до конца жизни Эллер был профессором композиции в Таллиннской консерватории. Из композиторов, чья музыка прозвучит на сегодняшнем концерте, прямыми продолжателями идей Эллера являются его ученики Арво Пярт и Яан Ряэтс. Косвенным образом преемственность сохранилась также в творчестве ученика Ряэтса Эркки-Свена Тююра, который брал уроки и у последнего ученика Эллера, Лепо Сумера. Единственной ученицей Тююра является Хелена Тулве, у которой, в свою очередь, училась Марианна Лиик.

Самые известные за рубежом эстонские композиторы сегодня — это, несомненно, Арво Пярт и Эркки-Свен Тююр. Их творчество очень разнится по своей эстетике, однако обоим композиторам посчастливилось, хотя и в совершенно непохожем ключе, органично совместить в своей музыке в неотъемлемое целое два разных начала – рациональное и интуитивное. Творчеству обоих присущ твердый, рациональный, математический фундамент, на котором покоится структура и форма их произведений. У обоих есть доступ к музыкальной информации, обладающей сильным трансформирующим потенциалом. И Пярту, и Тююру много раз пытались присвоить различные музыкальные ярлыки и жанровые обозначения, однако, музыка Тююра имеет так же мало общего с постмодернизмом, как и tintinnabuli-стиль с минимализмом. Музыка обоих композиторов далеко выходит из границ какой бы то ни было культурной символики и находится на гораздо более глубоком и универсальном уровне.

 

Арво Пярт (1935) — один из тех композиторов, чье творчество в значительной степени изменило наше представление о музыке. В 1976 году он создал авторский музыкальный язык под названием tintinnabuli, на котором сочиняет по сей день. Пярт не основал собственной композиторской школы и у него не было ни одного ученика, однако, его творчество в стиле tintinnabuli очень сильно повлияло на большую часть музыки второй половины XX века.

В 1958–1967 годах Пярт работал звукорежиссёром на Радио Эстонии. На эти же года приходится самый ранний, модернистский период творчества Пярта. В 1960-х годах эстонскую музыку формировали прогрессивные, мыслящие в парадигме модернизма композиторы – наряду с Пяртом его старшие коллеги Эйно Тамберг, Вельо Тормис и Яан Ряэтс, а также более молодой Кулдар Синк. Благодаря их творчеству в эстонскую музыку проникли практически одновременно все важнейшие стили и композиционные техники XX века: неоклассицизм, додекафония, сериализм, сонорика, техника коллажа и алеаторика. В нескольких из них первопроходцем стал именно Пярт. Так, например, «Некролог» стал первым эстонским произведением в додекафонической, «Perpetuum mobile» в сонорной, а «Коллаж на тему B-A-C-H» в коллажной технике. Пярт стал лидером так называемого советского авангарда.

В 1968 году Пярт простился со всеми привычными стилями, техниками и средствами музыкальной выразительности и прекратил сочинять музыку. Это решение привело к одному из самых продуктивных кризисов и радикальнейшему перевороту в авторском стиле за всю историю музыки. В поисках нового способа самовыражения Пярт очень интенсивно занимался изучением ранней музыки, погрузившись на несколько лет в григорианский хорал, музыку парижской музыкальной школы XII–XIII веков и полифонию эпохи ренессанса. Первые плоды этих изысканий можно услышать в его Симфонии № 3 (1971).

В 1976 году этот напряженный поиск привел к созданию совершенно нового и оригинального музыкального языка, который Пярт назвал tintinnabuli (лат tintinnabulum – «колокольчик»). Впервые он встречается в короткой фортепианной пьесе «Для Алины» и немного позже в таких произведениях как «Cantus памяти Бенджамина Бриттена», «Fratres», «Tabula rasa» и «Зеркало в зеркале» («Peegel peeglis»). Единственный в своем роде стиль tintinnabuli оказался богатейшим и неисчерпаемым источником творчества, из которого Пярт черпает на протяжении последних сорока лет.

Tintinnabuli можно иносказательно охарактеризовать как уникальную авторскую технику, в которой на клеточном уровне две одноголосный структуральные линии – мелодия и трезвучие – сливаются в одно неразрывное целое. В результате рождается своеобразное двуединство голосов, развитие и внутреннюю логику которого определяют строгие и зачастую сложные математические формулы. Именно единство этих двух разных сущностей придает горизонтальному и вертикальному измерению в творчестве Пярта новое значение и расширяет наши представления о тональной и модальной музыке в самом широком понимании. Tintinnabuli можно также описать как стиль, в котором музыкальный материал произведений чрезвычайно сжат и максимально упрощен. Простой ритм, часто поступательно движущиеся мелодические линии и базирующиеся на трезвучии сопровождающие tintinnabuli-голоса объединены с помощью сложного искусства полифонии. Также в этом стиле проявляется особенное отношение композитора к тишине. В то же время tintinnabuli является мировоззрением, очень личным и глубоко прочувствованным композитором отношением к жизни, в основе которого лежат христианские ценности, религиозная практика и поиски правды, красоты и чистоты.

Фортепианная пьеса «Для Алины» родилась в 1976 году как первое произведение в стиле tintinnabuli (см. выше). Фортепианную миниатюру «Для Анны Марии» композитор написал в качестве подарка на день рождения для девочки с этим именем в 2006 году. Фортепианное трио «Scala cromatica» посвящено Балинту Андрашу Варга, продюсеру издательства Universal Edition (Bálint András Varga: b¹,a¹; a¹,d¹,a¹,es²; a¹,g¹,a¹) и было впервые исполнено на посвященном ему концерте в здании Венского музыкального общества в 2007 году.

 

Яан Ряэтс (р. 1932) – основной представитель неоклассического направления в Эстонии, который привнес в эстонскую музыку в 1960-х годах подчеркнуто антиромантический – активный, с элементами игры, свободный от культа чувственности – способ самовыражения. Одним из образцов эстонской новой музыки стал его юношеский Концерт для камерного оркестра соч. 16. Яан Ряэтс – композитор со сравнительно неизменным стилем музыкального письма, основную часть его творчества составляет инструментальная музыка. Он является автором 10 симфоний, 24 инструментальных концертов и двух концертов для оркестра, симфонических малых форм и большого количества камерной музыки.

Пронизанное упругой ритмикой музыкальное письмо Ряэтса родилось в начале 1960-х годов и оказывало большое влияние на всю эстонскую музыку вплоть до конца 1980-х годов. В период, когда эстонские музыканты (заново) открывали для себя композиционные техники модернизма и авангарда, мозаичный, с элементами игры авторский стиль Ряэтса отметил приход постмодернистского мышления в эстонскую музыку.

В произведениях Ряэтса, как правило, отсутствуют драматургическое развитие и нарратив в обычном понимании. В основе его музыки лежит прежде всего энергичный ритм. При этом калейдоскопичные черты стиля Ряэтса объединяет лаконичная форма, в которой контрасты уравновешиваются с помощью симметричного общего плана. Изредка в его музыке проскальзывают лиричные и неоромантические образы, однако, они не являются определяющими для основного характера произведения. В основном музыке Ряэтса скорее присущи деликатный юмор или (само)ирония.

 

Ряэтс является автором семи фортепианных трио. По своему настроению и музыкальной образности Фортепианное трио № 2 (премьера состоялась в 1962) очень близко Концерту для камерного оркестра. Для обоих произведений показательны одинаково жизнерадостный и неунывающий поток звуковыражения, пульсирующий ритм и блестящее остроумие. Первая часть (Allegro) погружает слушателя в водоворот энергичных ритмов. Шаговый ритмоконтинуум первой части прерывается остроумным диалогом между струнными и фортепиано во второй части (Vivo). Третья часть (Andantino) – короткая, но важная с точки зрения драматургии. Она выступает в роли поворотного момента, после которого повторяются снова первые две части, однако, в противоположном порядке – Allegro в качестве четвертой и Vivo в качестве пятой части. Таким образом, Трио состоит из пяти частей, которые образуют ABCBA форму.

 

Эркки-Свен Тююр (р. 1959) начал свою музыкальную карьеру во второй половине 1970-х годов в качестве лидера ансамбля прогрессивного рока In Spe, созданного под влиянием King Crimson, Yes, Emerson Lake & Palmer и Genesis, а также творчества Майка Олдфилда и Фрэнка Заппы. Академические профессиональные композиции Тююра заслужили первую популярность в середине 1980-х годов.

Для музыки Тююра наиболее характерны интенсивное энергетически-трансформативное измерение, а также синтез интуитивного и рационального подходов в органичную и целостную систему. В первую очередь Тююр – инструментальный композитор. Им созданы 8 симфоний, ряд произведений для симфонического и камерного оркестра, 9 инструментальных концертов, камерные произведения и опера. Начиная с 1992 года Тюйр – независимо работающий композитор, чьи произведения, как правило, создаются для именитых иностранных исполнителей и оркестров и исполняются впервые на больших мировых сценах. Произведения Тюйра регулярно звучат по всему миру в программах знаменитых концертных залов.

В раннем творчестве Тююра смешались различные композиционные техники и стили: григорианский хорал, минимализм, микротоновая музыка и линеарная полифония, додекафония и сонорика. Попытки противопоставить и объединить тональные и атональные элементы, размеренно пульсирующую и хаотичную сферы и т. д. сам композитор назвал термином «метаязык». Тююр впервые привлек внимание публики в 1989 году произведением «Insula deserta». «Посвящение» («Dedication») для виолончели и фортепиано было написано в 1990 году, сам композитор считает его одной из своих лучших ранних работ. «Dedication» посвящено памяти рано ушедшего из жизни эстонского композитора Кулдара Синка, который был одной из самых влиятельных фигур эстонского авангарда 1960-х годов.

На современную эстонскую музыкальную сцену за последнее десятилетие вышли многие молодые талантливые женщины-композиторы, которые иносказательно взяли на себя роль хранительниц духовных корней и коллективной памяти и культуры эстонского народа. Ярким примером этого является, несомненно, Хелена Тулве (р. 1972) – композитор, профессор композиции и основательница композиторской школы, художественный руководитель фестиваля Дни эстонской музыки и одна из главных организаторов и активных деятелей культурной жизни Эстонии. Марианна Лиик, вошедшая в число призеров на международном конкурсе Rostrum of Сomposers – одна из многих талантливых учеников Хелены Тулве.

В основе музыки Тулве лежит постоянное изменение и связанные с этим пространственные и временные процессы, трансформация энергии. Ее музыка вырастает из очень простых исходных импульсов и находится под влиянием природных орнаментов, органики и единства жизненной энергии, которая включает в себя хитросплетения и противоречия, разные виды состояний, форм и движения. В музыке Тулве возможно любое звучание, для него всегда найдется свое время и место. Однако, концентрация на звуке не означает для Тулве лишь тембр, но охватывает одновременно и мелодию, интонацию, гармонию, звуковысотность и микроинтервалы, трансформацию энергии, которые образуют звуковое пространство, где на временной оси протекают динамические процессы. Ее интересует прежде всего глубокое познание и понимание времени и пространства. Музыка Тулве движется в направлении глубинных экзистенциальных форм бытия, отражая все его течения, волнения и завихрения, и пытается объединить слышимое с неслышимым. На пути поиска изначальной целостности бытия, ее музыка сочетает нежную хрупкость и тонкость деталей с непреклонной стихийной силой.

В 1998 году произведение Тулве «à travers» для большого ансамбля вошло в категории молодых композиторов в двойку произведений, рекомендованных для прослушивания на международном конкурсе Rostrum of Сomposers. В 2004 году ее произведение для симфонического оркестра «Sula» стало лауреатом Rostrum of Composers в основной категории. Тулве также является многократным лауреатом эстонских и международных премий, ее произведения исполняются на значимых фестивалях по всему миру, заказы на ее музыку поступают от именитых коллективов и исполнителей со всего мира.

Произведение «Спой мне о цветущем дереве» («Laula mulle õitsvast puust») для фортепиано посвящено эстонскому пианисту Калле Рандалу, в исполнении которого оно впервые прозвучало в декабре 2013 года в концертном зале «Эстония». Это произведение можно назвать своеобразным продолжением цикла песен без слов Тулве «Три песни» для фортепиано.

Произведение Тулве «выше, чем душа может надеяться или разум скрыть» («kõrgemale kui hing võib loota või meel varjata») для двух скрипок посвящено молодым блестящим скрипачкам Трийн Рубел и Юте Ыунапуу-Моканита, которые впервые исполнили его на фестивале Дни эстонской музыки в 2015 году. Произведение захватывает своей интенсивностью и одновременно уводит в путешествие и по глубинам души, и в небесные высоты.

Камерное произведение «lumineux/opaque» („сияющий/непроницаемый») для скрипки, виолончели, фортепиано и трех винных бокалов (2002) Тулве снабдила следующим комментарием:

Свет и вещество влияют друг на друга равным образом.

Вещество может поглощать, отражать, преломлять, рассеивать и излучать свет.

Объект, который поглощает весь свет и ничего не отражает – совершенно черный.

Солнце – это совершенно черное тело, его блеск – это тепло.

Каждое тело излучает.

Зеркало отражает свет, и мы видим наше изображение.

Осколок стекла преломляет свет и может образовать радужный спектр.

Неровности поверхности, в том числе частички водной пыли в воздухе, являются причиной рассеивания и случайного преломления света.

Материалы, которые не являются зеркалами, фильтруют свет, изменяя спектр при помощи поглощения и избирательного отражения.

Непрозрачный объект – это объект, который отражает или абсорбирует свет.

 

В числе работ Марианны Лиик (р. 1992) – музыка для оркестра, ансамблей, хора и электронные произведения. В ее творчестве Лийк проявляет особый интерес к звуковому пространству, возникающему при сочетании электронных и акустических средств выражения. В Эстонской академии музыки и театра Лиик изучала как электроакустическую, так и академическую композицию и окончила там же магистратуру в классе Хелены Тулве и Марго Кылара. В 2013 году Марианна Лиик заняла второе место в категории до 30 лет на международном конкурсе Rostrum of Сomposers в Праге со своим электронным произведением «Лес» («Mets»). В ноябре 2014 она стала призером музыкальной премии Западно-немецкого радиовещания (WDR) за лучшую музыку к фильму на фестивале европейской киномузыки «SoundTrack_Cologne 11». В 2017 году она получила премию лучшего молодого композитора от Академии люцернского фестиваля.

Для музыки Марианны Лиик свойственны переменчивые звуковые пространства, богатство деталей и изобилие красок. Она применяет акустические и электронные тембровые поля, также для ее музыкального почерка характерна целостная форма, которую образуют интенсивные ритмические фигуры и мелодические контуры. В некоторых ее произведениях можно заметить влияние энергетически-трансформативной музыки Тююра. В написанном в 2015 году произведении «На границе между хаосом и порядком» («On the borderline between chaos and order») для струнного квартета и электроники Лиик внедряет электронные элементы в партитуру в характерной яркой манере.

 

Составитель теста Саале Кареда (материалы EMIC, APK и Саале Кареда)

Перевод с эстонского: Александра Долгополова